jueves, 19 de mayo de 2016
Elvira Marimón Ramos
EUGÉNE DELACROIX.
Fernidand Víctor Eugéne Delacroix fue un pintor francés. Nació el 26 de Abril de 1798.
Fue el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido en el primer tercio del siglo XIX, cuya influencia se extendió hasta los impresionistas, etiquetado inicialmente como neoclásico.A partir de la exposición de 1885 Delacroix se convirtió en la figura que supo sobrepasar la formación clásica para "renovar" la pintura. A su fallecimiento, los artistas contemporáneos le rindieron sentidos homenajes.
También destacó como pintor religioso pese a sus continuas declaraciones de ateísmo. Sus obras manifiestan una gran maestría en la utilización del color.
La pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses: el superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte, el decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la línea.
LA BARQUE DE DANTE.
Es una de las primeras pinturas del autor francés del Romanticismo, y la que le dio a conocer. La pintura es un óleo sobre lienzo realizada en 1822, y en ella aparecen personajes del infierno de la obra La DIvina Comedia de Dante Alighieri. En la actualidad está expuesto en el Museo de Louvre de París.
La pintura está basada en hechos ficticios tomados de canto ocho de infierno de Dante. Una niebla de humo plomizo y la Ciudad de los Muertos ardiente forman el telón de fondo sobre el que el poeta Dante perdura un cruce temible del río Styx. Él se estabilizó por el poeta Virgilio aprendido de la antigüedad, ya que surcan aguas abarrotadas de almas atormentadas.
Fernidand Víctor Eugéne Delacroix fue un pintor francés. Nació el 26 de Abril de 1798.
Fue el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido en el primer tercio del siglo XIX, cuya influencia se extendió hasta los impresionistas, etiquetado inicialmente como neoclásico.A partir de la exposición de 1885 Delacroix se convirtió en la figura que supo sobrepasar la formación clásica para "renovar" la pintura. A su fallecimiento, los artistas contemporáneos le rindieron sentidos homenajes.
También destacó como pintor religioso pese a sus continuas declaraciones de ateísmo. Sus obras manifiestan una gran maestría en la utilización del color.
La pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses: el superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte, el decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la línea.
LA BARQUE DE DANTE.
Es una de las primeras pinturas del autor francés del Romanticismo, y la que le dio a conocer. La pintura es un óleo sobre lienzo realizada en 1822, y en ella aparecen personajes del infierno de la obra La DIvina Comedia de Dante Alighieri. En la actualidad está expuesto en el Museo de Louvre de París.
La pintura está basada en hechos ficticios tomados de canto ocho de infierno de Dante. Una niebla de humo plomizo y la Ciudad de los Muertos ardiente forman el telón de fondo sobre el que el poeta Dante perdura un cruce temible del río Styx. Él se estabilizó por el poeta Virgilio aprendido de la antigüedad, ya que surcan aguas abarrotadas de almas atormentadas.
Ruth Peñaloza Pérez
El
Barroco
El Barroco fue un período de la historia en la
cultura occidental originado por una
nueva forma de concebir el arte y que partiendo desde diferentes
contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos
artísticos. La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador
geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas
nacionales cada una con un sello distintivo.
Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente de Italia,
donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en la
imitación de la realidad natural, con cierto gusto
por el claroscuro el llamado tenebrismo; y el clasicismo, que es igual de
realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado.
Posteriormente, en el llamado «pleno barroco», la pintura evolucionó a un
estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección
por los efectos ópticos y las escenografías lujosas y exuberantes.
Características:
Entre
las características generales del arte barroco están su sentido del
movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras
realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad
aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones
milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura
y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los
pintores pretendieron siempre en sus obras la
representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en
los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con
su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los
sentimientos interiores,las pasiones y los temperamentos, magníficamente
reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez,
el individualismo y el detalle del arte barroco manifestado en las representaciones realistas de la piel y las
ropas hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
Francisco de Zurbarán
Francisco
de Zurbarán nació en Fuente de Cantos el 7 de noviembre de 1598 y
murió en Madrid el 27 de agosto de 1664.
Fue un
pintor del Siglo de Oro español. Contemporáneo y amigo de Velázquez,
Zurbarán destacó en
la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un
profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma.
Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando
para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus
representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus
composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más
ácidos.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco.
martes, 17 de mayo de 2016
Honore Daumier
Fue un caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor francés de la época realista. Nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, siendo muy joven trabajó como ujier en un tribunal de justicia y como cadete en una librería, y luego se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dando inicio al romanticismo y realismo, dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y abordando la ilustración de anuncios publicitarios.
Es una de las obras realizadas por Daumier en la época del segundo imperio, de inspiración literaria. Hizo numerosas pinturas y dibujos con Don Quijote, solo o con Sancho Panza, unos 25 óleos, acuarelas y una serie de dibujos al carboncillo. Daumier consideraba el personaje de Don Quijote como un marginado idealista en el que el propio pintor se veía reflejado.
El centro del cuadro está ocupado por Don Quijote, sobre su caballo, formado por manchas de color, sin que se le distinga un rostro; tanto él como Rocinante están muy flacos y estilizados, hasta la deformación anatómica, pareciendo más una caricatura que un dibujo; el Quijote lleva una lanza. Sancho Panza es una sombra que se ve a lo lejos, en el horizonte, recortado contra el cielo de color azul intenso, formando parte del paisaje árido.
Yisset Urquía Jiménez
Omar reyes martin
Caspar David Friedrich (Greifswald, 5 de septiembre de 1774 - Dresde 7 de mayo de 1840).
Fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del sigo XIX, considerado el artista alemán mas importante de su generación. Conocido por sus paisajes que muestran figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, arboles estériles o ruinas góticas. Establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes.
EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES
Esta creada teniendo en cuenta las convenciones de género tanto del Romanticismo como del paisaje. Parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: Al borde del mar o de lagos en la cima de montañas o en lo alto de una cascada.
EL CAMINANTE
El autor impide que la fisonomía del personaje anónimo distraiga la atención del paisaje.
El hecho de que el viajero se encuentre en el centro indica dominación, pero al llevar un bastón apunta a cierta debilidad.
Se encuentra solo lo que indica que no hay presencia humana. Se percibe aislamiento y soledad.
La postura con una pierna delante indicaría que domina la vida de este mundo esperando que le llegue la vida eterna.
EL PAISAJE
Las rocas entre las montañas y el fondo simbolizarían la fe del ser humano. Las montañas del fondo representan la vida eterna futura en el paraíso.
El mar de nubes significa la alusión a la divinidad estando el ser humano entre la naturaleza ( la montaña del primer plano) y Dios ( el mar de nubes)
Fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del sigo XIX, considerado el artista alemán mas importante de su generación. Conocido por sus paisajes que muestran figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, arboles estériles o ruinas góticas. Establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes.
EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES
Esta creada teniendo en cuenta las convenciones de género tanto del Romanticismo como del paisaje. Parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: Al borde del mar o de lagos en la cima de montañas o en lo alto de una cascada.
EL CAMINANTE
El autor impide que la fisonomía del personaje anónimo distraiga la atención del paisaje.
El hecho de que el viajero se encuentre en el centro indica dominación, pero al llevar un bastón apunta a cierta debilidad.
Se encuentra solo lo que indica que no hay presencia humana. Se percibe aislamiento y soledad.
La postura con una pierna delante indicaría que domina la vida de este mundo esperando que le llegue la vida eterna.
EL PAISAJE
Las rocas entre las montañas y el fondo simbolizarían la fe del ser humano. Las montañas del fondo representan la vida eterna futura en el paraíso.
El mar de nubes significa la alusión a la divinidad estando el ser humano entre la naturaleza ( la montaña del primer plano) y Dios ( el mar de nubes)
sábado, 14 de mayo de 2016
Daniela García
"LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO"
Es uno de los óleos más impresionantes de Goya. Se trata de los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. Es un óleo en el que Goya condena el cruel acto histórico desde el fondo de su sangre rebelde. En ese tiempo los franceses se habían apoderado de España y es por eso que en su obra se puede observar claramente el caos sembrando por las guerras napoleónicas.
En este cuadro podemos observar como Goya describe la estupidez, la crueldad, la represión y la inhumanidad de su tiempo de una forma que era a la vez personal y visionaria. Esta obra se basa en un acontecimiento donde el pueblo de Madrid se rebeló contra el ejército napoleónico. Los franceses tomaron represalias al día siguiente y centenares de personas fueron ejecutadas.
Fue pintado seis años mas tarde del día del evento.
Los soldados del pelotón de fusilamiento francés son anónimos y todos han adoptado la misma postura, lo cual es un toque mecánico que permite a Goya transformar esta escena aparentemente anecdótica en una imagen universal de crueldad e indefensión. Los soldados franceses, a los que no se les ve el rostro pero con sus gestos, actitudes son suficientemente expresivos y apuntan con sus fusiles al grupo de patriotas que tienen enfrente.
La figura que destaca en el centro con una camisa blanca, pantalón amarillo y que alza virilmente los brazos es el núcleo de la obra. Esa figura en particular es casi como una caricatura, como un dibujo animado y aún así es tan poderosa como cualquier otra obra de arte dentro de toda la pintura occidental.
Lo que parece irradiar luz no es el farol grande sino la camisa blanca de la víctima: tanto la pose del hombre como la herida en su mano recuerda a Cristo crucificado.
Esta ejecución se llevó a cabo en la noche y en su cielo ocupa alrededor de una tercera parte de este lienzo de gran tamaño e intensifica su atmósfera macabra. Se dice que lo que se observa en la distancia es el convento de Doña María de Aragón, donde se piensa retuvieron a los prisioneros antes de ejecutarlos.
Goya, en este cuadro, logra hacernos sentir que somos los verdugos y los ejecutores al mismo tiempo, con un doble potencial para el bien y el mal. La intensidad del miedo, el dolor y la pérdida, por un lado, y la extrema brutalidad en el otro.
jueves, 12 de mayo de 2016
El movimiento neoclásico (Byron García Bravo)
El Neoclasicismo
Su surgimiento tuvo una misión clara: oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió.
El neoclasicismo se nutrió especialmente de las ideas racionales que promovía el movimiento de Ilustración y terminaría de conformar a la burguesía como la nueva clase dirigente, con capacidad económica. Muchos burgueses adquirían obras artísticas para conseguir a través de ellas estatus social que hasta ese momento solo era propiedad exclusiva de la nobleza y el clero.
Entre sus consideraciones elementales, el Neoclasicismo supone un arte absolutamente pensado y racional, con reglas, muy sencillo y que supone imitar el arte griego, romano y renacentista. El Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al arte medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen.
Características del movimiento neoclásico
- Generales: verosimilad, todo lo sucedido debía de ser posible, por lo que se omitía no solo lo insólito y anormal, sino también lo cotidiano.
- Imitación de la naturaleza humana: solamente del lado bueno ya que la literatura tenía una función moral.
- Decoro interno, equivalente a la unidad del tono, los personajes debían permanecer inconmovibles y comportarse de la misma manera de principio a fin.
- Decoro externo, que es respetar las leyes morales de la sociedad.
- Función moral y didáctica pero también de agradar y conmover al público.
- El arte de ser una síntesis totalitaria entre lo bello y lo útil.
- La norma y el orden se hicieron indispensables para la creación literaria.
- La creación literaria se transformó en maneras sencillas y naturales.
- Los principales principios son la imitación, la simetría, la frialdad y la rigidez.
Jacques-Louis David
Fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del Antiguo Régimen.
Desarrolló su "Estilo Imperio", notable por el uso de colores cálidos al estilo veneciano.
San Roque pidiendo a la Virgen la curación de las víctimas de la peste (1780)
Este cuadro, es una de las pocas pinturas religiosas de su carrera profesional y el tema elegido no tuvo nada de original, San Roque, el santo patrón de la peste, intercede ante la Virgen para que cese el sufrimiento de los afectados.
En este cuadro, David retrata a san Roque con el hábito de peregrino, el bordón y acompañado por el perro, en una actitud suplicante ante la figura de la Virgen quien le está señalando como dando a entender que el sufrimiento de la población finalizará gracias a su rogativa.
El cuadro fue muy admirado en Roma hasta el punto de compararse al autor con el genio del Renacimiento italiano Miguel Hernández Buonarroti. Quien escribió una carta a París comentando al conde D'Angiviller, maestro de David, que su discípulo había pintado un meritorio cuadro típico de un gran maestro: "La expresión en el rostro de cada afectado posee un sentimiento tan hondo que es difícil soportar su mirada".
He escogido este cuadro, no solo por mi admiración a la Virgen debido a mi condición católica, sino también por el histrionismo de sus personajes y una frialdad en la pintura que se corrompe por la zona en la que se encuentra la Virgen, dulcificándola, como señal de que el sufrimiento toca a su fin.
Además es una pintura que representa la esperanza de ser salvado en una época de epidemias; de que llegará un momento en el que cesará el sufrimiento, la desesperanza y la temida enfermedad.
Diego Martín Montenegro
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Nació en el 29 de septiembre de 1571 en Milán y murió el 18 de julio de 1610.
Fue un pintor italiano, que a principios de su carrera solo pintaba pinturas religiosas pero a menudo escandalizaba a sus clientes, por el realismo en sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano y ademas sus modelos solían ser prostitutas, chicos de la calle o mendigos.
Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
Una de sus obras mas famosa es esta:
Los discípulos de Emaús
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Nació en el 29 de septiembre de 1571 en Milán y murió el 18 de julio de 1610.
Fue un pintor italiano, que a principios de su carrera solo pintaba pinturas religiosas pero a menudo escandalizaba a sus clientes, por el realismo en sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano y ademas sus modelos solían ser prostitutas, chicos de la calle o mendigos.
Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
Una de sus obras mas famosa es esta:
Los discípulos de Emaús
miércoles, 11 de mayo de 2016
Yedra Expósito Artiles
Diego Velázquez
Conocido como Diego Velázquez, es perteneciente al estilo barroco, considerado como uno de los exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
LAS MENINAS.
Este cuadro de Velázquez es una de las obras de mayor tamaño, en el que puso un empeño importante para crear esta composición compleja y a la vez creíble. Gracias a Antonio Palomino podemos saber que este cuadro se pintó en 1656 y también podemos identificar quienes son sus personajes.
Los valores estéticos del cuadro son evidentes. Dio un gran paso hacia el ilusionismo. Ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado la representación de la vida.
Todas las características de esta obra, hacen que sea un retrato en el que Diego, persigue unos objetivos que rompen con lo tradicional y lo acercan a la pintura de la historia.
martes, 10 de mayo de 2016
Rubén de Andrés Placeres
José de Ribera
Nació en España(Xátiva,Valencia) el 12 de enero de 1591 y falleció en Nápoles (Italia) el 2 de septiembre de 1652.
Fue un pintor y grabador español del siglo XVII que desarrollo su carrera en Nápoles.
Le conocían como ''El españolito'' debido a su baja estatura y ya que firmaba reindicando su origen.
Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética mas colorista y luminosa. Sus obras fueron enviadas desde fecha muy temprana a España. Influyeron de modelos a pintores locales como Velázquez.
Fue un autor de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX.
Lo revindican como un creador versátil y hábil colorista.
El apoyo de los virreyes y de otros altos cargos de origen español influyo que sus obras llegasen en abundancia a Madrid; actualmente el Museo del prado posee más de cuarenta cuadros suyos. Ya en vida era famoso en su tierra natal y prueba de ello es que Velázquez le visitó en Nápoles en 1630.
Gozo de la protección de virreyes que le fueron adoptando como un pintor de cámara,como el duque de Osuna, para quien realizó un grupo de obras.Trabajo para la iglesia napolitana, que conserva un conjunto de magníficas obras.
Santa María Egipcíaca (1651)
En la etapa final de su vida, el artista, marcado por diversas dificultades existenciales, logró expresar con más intensidad que nunca las emociones de la mujer María Egipcíaca, retratándola con gran espíritu de humanidad.
Nació en España(Xátiva,Valencia) el 12 de enero de 1591 y falleció en Nápoles (Italia) el 2 de septiembre de 1652.
Fue un pintor y grabador español del siglo XVII que desarrollo su carrera en Nápoles.
Le conocían como ''El españolito'' debido a su baja estatura y ya que firmaba reindicando su origen.
Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética mas colorista y luminosa. Sus obras fueron enviadas desde fecha muy temprana a España. Influyeron de modelos a pintores locales como Velázquez.
Fue un autor de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX.
Lo revindican como un creador versátil y hábil colorista.
El apoyo de los virreyes y de otros altos cargos de origen español influyo que sus obras llegasen en abundancia a Madrid; actualmente el Museo del prado posee más de cuarenta cuadros suyos. Ya en vida era famoso en su tierra natal y prueba de ello es que Velázquez le visitó en Nápoles en 1630.
Gozo de la protección de virreyes que le fueron adoptando como un pintor de cámara,como el duque de Osuna, para quien realizó un grupo de obras.Trabajo para la iglesia napolitana, que conserva un conjunto de magníficas obras.
Santa María Egipcíaca (1651)
En la etapa final de su vida, el artista, marcado por diversas dificultades existenciales, logró expresar con más intensidad que nunca las emociones de la mujer María Egipcíaca, retratándola con gran espíritu de humanidad.
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